La Revolución Industrial


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"Es un periodo histórico, entre la segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX,
en el que el Reino Unido primero, y el resto de la Europa continental después, sufren el mayor conjunto de transformaciones socioeconómicas, tecnológicas y culturales de la Historia de la humanidad, desde el Neolítico." (Wikipedia)

La economía basada en el trabajo manual fue reemplazada por la industria y la manufactura. La revolución comenzó con la mecanización de las industrias textiles y el desarrollo de los procesos del hierro. La expansión del comercio fue favorecida por la mejora de las rutas de transportes y posteriormente por el nacimiento del ferrocarril.
Las innovaciones tecnológicas más importantes fueron la máquina de vapor y la denominada Spinning Jenny, una potente máquina relacionada con la industria textil.
Estas nuevas máquinas favorecieron enormes incrementos en la capacidad de producción. La producción y desarrollo de nuevos modelos de maquinaria en las dos primeras décadas del siglo XIX facilitó la manufactura en otras industrias e incrementó también su producción.

La Epoca Victoriana

El ineludible sentido de la novedad dio como resultado un profundo interés por la relación entre la modernidad y la continuidad cultural, destacaban los valores comunales y sociales, al contrario que el Clasicismo, el cual él consideraba que realzaba la estandarización mecánica. "La mitad del siglo vio la Gran Exposición de 1851, la primera Feria Mundial, la cual mostró las mejores innovaciones del siglo. En su centro estaba el Palacio de Cristal, un enorme y modular edificio de estructura de cristal y acero, el primero de su tipo. Fue condenado por Ruskin como el perfecto modelo de
deshumanización mecánica en diseño, pero más tarde se convirtió en el prototipo de la Arquitectura Moderna. La aparición de la fotografía, que fue exhibida en la Gran Exposición, condujo a importantes cambios en el arte victoriano. John Everett Millais fue influido por la fotografía (especialmente en el retrato de Ruskin), así como otros artistas prerrafaelitas. Más adelante fue asociado con las técnicas impresionistas y el Realismo social quedominaron los siguientes años del periodo en los trabajos de artistas como Walter Sickert y Frank Holl." (Wikipedia)external image th-vict-post-travel01.jpgexternal image th-vict-post-travel02.jpgexternal image th-vict-post-travel03.jpg



La Litografía

Etimológicamente la palabra litografía viene de los términos griegos lithos piedra, y graphe dibujo. La Litografía es un procedimiento de impresión, inventado por Aloys Senefelder, donde se utiliza una piedra caliza pulimentada sobre la que se dibuja la imagen a imprimir con una materia grasa, bien sea mediante lápiz o pincel. Este proceso se basa en la incompatibilidad de la grasa y el agua. Una vez la piedra humedecida, la tinta de impresión solo queda retenida en las zonas dibujadas previamente. La tinta de la impresión es entonces aplicada y gracias al relieve se adhiere sólo a las partes marcadas, dado que el agua ha protegido el resto de la placa. Con esta superficie entintada, es ahora posible realizar múltiples impresiones del documento o figura previamente dibujada mediante la simple aplicación de la piedra entintada sobre la superficie destino, papel o cualquier otra. Este es el proceso llamado printing o Grabado.
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El sistema sirve comercialmente para la impresión de partituras musicales, mapas, reproducciones de color y rótulos. Desde el desarrollo hacia 1860 de la talla dulce o grabado en madera y otros procedieintos de grabado sobre metal, tales como el aguafuerte, que permitía la impresión de los mismos con el tipo de imprenta. La Litografía quedo relegada a fines comerciales y en especial, a la realización de carteles.
Dos años más tarde, en 1798, Senefelder ha completado todos los pasos de su revolucionario procedimiento, que él denomina "impresión química" y que da a conocer, tras de patentarlo, en el resto de Europa.

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Dos décadas después, cuando es ya famoso su taller de impresión en Munich, publicará un tratado de divulgación, ahora sí con el nombre de "litografía". En 1800, Senefelder deja a la oficina de Patentes de Londres una ' Descripción completa de la litografía '.
El año siguiente, su socio, Antoine Andre, importa la litografía a Londres. Su hermano, Frédéric Andre, obtiene una patente de importación para Francia en 1802. Aparece en Italia en 1805, bajo los auspicios del taller de G. Dall'armi. La litografía se introduce en Dinamarca en 1812. Es en 1815 que este arte toma su verdadero auge. En 1818, Senefelder funda un taller en París. En 1819, describe su invención en un libro, primero publicado en Munich.

"Distinguidos artistas, como Fantin-Latour y Whistler, descubrieron nuevas cualidades den la litografía como procediemiento artístico. Su delicadeza y las ricas tonalidades del negro hicieron de ella el método directo preferido por los artistas para la reproducción exacta de los facsímiles dibujos. Entre algunos artista más modernos que utilizan este proceimiento figuran tal reconocidos; como Joseph Penell, Fran Brangwyn y George Belows, o el mismo, Toulouse-Lautrec. Carlos Gimbernant fue uno de los primeros españoles en emplear la litografía, a la que dio notable impulso las obras de Francisco Goya1818, algunas exhibidas en el Museo del Prado, en Madrid. En 1826 fue fundado el Real Establecimiento Litográgico de Barcelona, cuya dirección se confió a José Madrazo, al mismo tiempo que Antonio Brusi creaba un taller litográfico fundado 1819 por la Dirección de Hidrografía."(Wikipedia)

La Fotografía

La fotografía no fue siempre considerada un arte. Su integración al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo del retrato pintado ya que éste era mucho más barato.
Como el retrato fotográfico remplazaba al retrato pintado, gran cantidad de pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir, de los cuales algunos fueron los que lucharon por que la fotografía sea considerada un arte.

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A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el naturalismo.
La aparición de esta nueva tendencia, centrada en la objetividad, buscaba imitar la realidad y la naturaleza con un alto grado de perfección y despreciaba la subjetividad. Así, el naturalismo fue la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia en el arte ya que al imitar de una forma casi perfecta la realidad, superaba ampliamente a la pintura en este aspecto. Por otra parte, el constante desarrollo de la fotografía en esa época, básicamente con las nuevas técnicas sobre la utilización de la luz del sol, dió origen a fotos con un mayor significado estético, lo que llevó a un nuevo acercamiento de la fotografía hacia el arte. Cuando los conocimientos en óptica estuvieron lo suficientemente avanzados, los pintores descubrieron la manera de proyectar una imagen sobre una película de papel con aceite lo que les permitía tomar notas rápidamente con la desventaja de una inversión de la imagen y un reducido tamaño. Esto coincide con el auge del realismo en la pintura. Más tarde se descubrieron técnicas usando clara de huevo, que hacían posible lograr que la imagen por sí misma se quedara grabada en el papel. Esta técnica se fue perfeccionando gracias a la comprensión del fenómeno químico implicado y a una continua experimentación con materiales alternativos. Pronto fue posible tener una caja con un papel fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla, y un obturador para hacer pasar la luz
el tiempo suficiente para que impresionara a la película. La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en paralelo durante este tiempo. En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar apareció la posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque,
lo que permitían trasladar la subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico.


Principales estilos gráficos de los siglos XV al XX

Sobre 1860 el diseño se caracteriza por la adopción de formas del pasado. Esta actitud deviene en la utilización de ornamentos y formas del gótico y del barroco. Formalmente el historicismo se manifiesta en la pintura y en la escultura: Arcos, monumentos, frontispicios aparecen decorados con profusión remitiéndonos a la época clásica sin ningún tipo de conexión con el contexto actual. Al igual que las factorías parecen templos griegos, los materiales impresos parecen pequeños monumentos. El texto aparece centrado y los alfabetos están excesivamente decorados, sombreados e incluso aparecen algunos en tres dimensiones, formando la página en muchos casos una abigarrada mezcla de letras e ilustraciones.

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Muchos tipógrafos y críticos se unieron a la idea de que el historicismo no reflejaba las posibilidades contemporáneas de la forma y el contenido. Es así como se vuelve la vista a la Edad Media donde se hallan en las primeras catedrales, manuscritos, etc un rastro de autenticidad de cosas creadas por el individuo y no por la máquina y donde el artesano recibe un reconocimiento y una revalorización que hace replantear la división entre arte y oficio. Es en este contexto donde nace el movimiento "arts & crafts" (artes y oficios) y que fue iniciado por el poeta, pintor, artista artesano y tratadista William Morris.
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Dante Gabriel Rosetti (1828-1882).
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Edward Burne Jones (1833-1898)

El movimiento de artes y oficios reclamaba el libro artesano y bello en la era industrial,
no solo era importante la tipografía sino también el papel, las ilustraciones la impresión y la encuadernación. Estos postulados propiciaron la aparición de numerosas imprentas privadas donde con la mirada puesta en la época medieval, vemos en la tipografía una vuelta a la rica ornamentación de los manuscritos, y conceptos como "legibilidad del tipo" o "unidad de la página" lleva a la creación de diseños abigarrados y compactos. Para los libros que su editorial, Kelmscott Press concibió entre 1888 y 1891 William Morris creó unos tipos que representaban el ideal de la era. Su tipo Golden nos remite al tipo creado por Jenson en el S. XV y el tipo Troy es una mezcla de gótico con elementos romanos. Asimismo creó líneas, ornamentos e iniciales para apoyar y complementar sus alfabetos. El movimiento fue el mayor estímulo para el modernismo del S. XX. Hubo fundiciones americanas y europeas que no sólo copiaron los tipos de Morris sino que pusieron en marcha sus propias iniciativas de recuperación,
relanzando nuevas versiones de los tipos antiguos y de transición, caídos en desgracia hacía tiempo. La voz cantante de esta recuperación la llevaron la American Type Founders Company y las filiales estadounidense y británica de la Monotype Corporation. Esta última, bajo la dirección tipográfica del historiador y erudito Stanley Morison, fue responsable de recuperar para el uso moderno muchos tipos casi olvidados
que hoy son de uso común para los diseñadores, como Bembo, Baskerville y Fournier.
La recuperación de los tipos venecianos durante finales del S. XIX y principios del S.XX, incluía el tipo Golden de William Morris, Goudy Old Style de Frederic Goudy,
Cloister Old Style de Morris Fuller Benton y el Centaur de Bruce Rogers.


El Kitsch

Aunque su etimología es incierta, está ampliamente difundido que la palabra se originó en los mercados de arte de Munich entre los años 1860 y 1870. El término era usado para describir los dibujos y bocetos baratos o fácilmente comercializables.

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El kitsch apelaba a un gusto vulgar de la nueva y adinerada burguesía de Munich que pensaba, como muchos nuevos ricos que podían alcanzar el status que envidiaban a la clase tradicional de las élites culturales copiando las características más evidentes de sus hábitos culturales. Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto estético empobrecido con mala manufactura, significando más la identificación del consumidor
con un nuevo status social y menos con una respuesta estética genuina. Lo kitsch era considerado estéticamente empobrecido y moralmente dudoso. El sacrificio de una vida estética convertida en pantomima, usualmente, aunque no siempre, con el interés de señalar un status social. La teoría de Broch: discutía que la génesis del kitsch estaba adentro del Romanticismo, que no es kitsch por sí mismo pero que abrió la puerta para el gusto del kitsch, acentuando la necesidad del trabajo de arte expresivo y evocador.
El arte académico, que continuó esta tradición Romántica, tiene una razón doble de su asociación con el kitsch. Bajo este periodo que surge la distinción entre arte alto y arte bajo definido por los intelectuales. El arte académico se esforzó en permanecer en una tradición arraigada en la experiencia estética e intelectual. Las calidades intelectuales y estéticas del trabajo estaban ciertamente allí. Los buenos ejemplos del arte académico incluso fueron admirados por los artistas Avant Garde que se podrían rebelar contra él.
Había una cierta crítica, sin embargo, que declaraba que el arte se volvía “demasiado hermoso” y democrático, y esto lo hacía ver demasiado fácil y superficial. Muchos artistas académicos intentaron utilizar temas del arte popular para enoblecerlos como arte, sujetándolos al interés en las calidades inherentes de la forma y de la belleza, intentando democratizar el mundo del arte.
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En Inglaterra, algunos académicos incluso abogaron por que el artista trabajara para el mercado. En un cierto sentido las metas de la democratización tuvieron éxito, y la sociedad fue inundada con el arte académico,
el público hacía filas para ver exposiciones de arte de la manera en que ahora se va a ver una película. La instrucción en arte llegó a ser extensa, al igual que la práctica,
lo que hizo borrosa la línea entre arte popular y arte elitista. Esto condujo a menudo a que trabajos de arte mal hechos o mal concebidos fueran aceptados como arte.
Los temas y las imágenes presentados en el arte académico, aunque originales en su primera expresión, fueron diseminados entre el público en la forma de impresiones y postales - que a menudo su reproducción fue animada activamente por los artistas -
y éstas imágenes fueron copiadas sin fin hasta que se convirtieron en clichés bien conocidos. El Avant Grade reaccionó a estos progresos separándose de los aspectos del arte tales como: representación y armonía pictoral, que eran apreciados por el público, para hacer una declaración sobre la importancia de la estética.


William Morris

Morris comienza a trabajar en 1856 en la firma de arquitectura de G.E. Street y en los años siguientes se convierte en pintor profesional (1857-62). Con su experiencia en arte y arquitectura funda, en 1861 la Morris, Marshall, Faulkner & Co., una empresa de arquitectura y diseño industrial que el personalmente financia. Morris creó un "revival" cultural en la Inglaterra victoriana que se basaba en las artes y los oficios de la época medieval como paradigma de la primacía del ser humano sobre la máquina y a la vez de un trabajo hecho atendiendo a las más altas cotas de expresión artística.

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Este movimiento atrajo a gente de todo el mundo y en 1875 la compañía pasa a llamarse Morris and Co., con Morris como único propietario. William Morris fue un artesano, diseñador, impresor, poeta, escritor, activista político y un incurable neorromántico, y durante gran parte de su vida se preocupó intensamente en preservar las artes y oficios medievales abominando de las modernas formas de producción en masa. En 1883 fundó la Federación Socialdemócrata y más tarde organizó la Liga Socialista.
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Libro editado por la Kelmscott Press

William Morris funda Kelmscott Press en 1891 donde produce trabajos originales
(The Story of Sigurd the Volsung, The fall of the Nibelungs, etc), así como reimpresiones de los clásicos, siendo su obra más conocida The Chaucer que fue ilustrado por Burne-Jones e impreso en Kelmscott Press en 1896. Morris estudió al detalle el arte del período medieval y por ello no es sorprendente que sus famosas iniciales y bordes de los libros que editaba se basaran en los trabajos de Peter Löslein y Bernhard Maler que trabajaron para el impresor y diseñador de tipos de Augsburgo Erhard Ratdolt (1474-84). También se pueden apreciar sus raíces en la primera impresión que se produjo en Venecia del libro de Euclides "Elementos de Geometría" que también imprimió Ratdolt. William Morris tuvo, sin lugar a dudas, una gran influencia histórica en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX.


La Escuela de Glasgow

Círculo de influyentes artistas modernos y diseñadores
que comenzaron a trabajar en Glasgow, Escocia en los años 1870,
y florecieron desde los años 1890 hasta alrededor de 1910.
Glasgow experimentó un boom económico a finales del siglo XIX,
de lo que resultó en un estallido de significativas contribuciones al movimiento Art Nouveau,
particularmente en los campos de la arquitectura, diseño de interiores, y pintura.


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Margaret MacDonald

Entre los miembros más destacados de la Escuela de Glasgow estuvieron "Los cuatro": el aclamado arquitecto Charles Rennie Mackintosh, la pintora y artista del vidrio Margaret MacDonald (esposa de Mackintosh), la hermana de MacDonald Frances, y Herbert MacNair. Juntos, los cuatro definieron el estilo de Glasgow (una mezcla sincrética de arte celta y japonés), que encontró el favor en el mundo del arte moderno en la Europa continental. Los cuatro, también conocidos como la Spook School,
al final tuvieron un gran impacto en la definición del Art Nouveau.


Art Nouveau

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernisme o Estil modernista (en Cataluña). Si bien existe cierta relación que los hace reconocibles como parte de la misma corriente, en cada país su desarrollo se expresó con características distintivas.

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Con el modernismo se intenta crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos dominantes en la época, tales como el historicismo o el eclecticismo. Se trata de crear una estética nueva, en la que predominan la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial. En gran medida sus aspiraciones se basan en las ideas de John Ruskin y William Morris, que podemos resumir en democratizar la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la población (socialización del arte),
gracias a las técnicas de producción masiva facilitadas por la revolución industrial. Por ello el modernismo no sólo se da en las artes mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana. Consecuentemente se dio en arquitectura, pintura, escultura y en las artes decorativas (muebles, lámparas, joyas, carteles, etc.).

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El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas. Ya sea en el diseño de cubiertas de libros, a ilustraciones de revistas de todo tipo, desde afiches comerciales a paneles decorativos, desde el diseño de tipografía para imprenta a la confección de postales, el modernismo dejó su marca. Merece destacarse Aubrey Beardsley como uno de los más originales exponentes del modernismo gráfico y -en su caso- con ilustraciones en blanco y negro, con un estilo personalísimo que le ha reputado admiración a pesar de lo controvertido e irreverente que los temas que ilustra en sus obras fueron para su época. Otros diseñadores conocidos son Charles Rennie Mackintosh (con el movimiento de Arts and Crafts), T. Privat-Livemont, Koloman Moser y Franz von Stuck.

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Alfons Mucha

Este pintor y artista produjo una gran cantidad de pinturas, pósteres,
avisos e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados
y decorados teatrales en lo que se llegó a conocerse como el estilo Art Nouveau.
Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes,
hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos,
frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban
halos detrás de sus cabezas. Cuando Checoslovaquia ganó su independencia, luego de la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó estampillas, notas bancarias y otros documentos gubernamentales para la nueva nación. Pasó muchos años trabajando en lo que consideró su obra maestra, La Épica Eslava (Slovanská epopej), una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos, que fueron donadas a la ciudad de Praga en 1928.

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Al tiempo de su muerte, el estilo de Mucha se consideraba ya pasado de moda, pero el interés por su arte revivió en la década de 1960, y continúa experimentando interés de manera periódica desde entonces, influenciando a ilustradores contemporáneos. Gran parte del interés en el trabajo de Mucha puede ser atribuido a su hijo, el autor Jiri Mucha, quien escribió extensamente sobre su padre y dedicó gran parte de su vida
a llamar la atención hacia las obras de aquel.


Henri de Toulouse-Lautrec

Pintor francés que destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX a través de posters e ilustraciones. La fascinación que sentía por los locales de diversión nocturnos le llevó a frecuentarlos con asiduidad y hacerse cliente predilecto de algunos de ellos como el «Salón de la Rue des Moulins», «Moulin de la Galette», «Moulin Rouge», «Le chat noir»,... Todo lo relacionado con este mundo, incluida la prostitución, constituyó uno de los temas principales en su obra. En sus obras de los bajos fondos de París pintaba a los actores, bailarines, burgueses y prostitutas (su gran obsesión). A estas las pintaba mientras se cambiaban, cuando acababan cada servicio o cuando esperaban una inspección médica. Los dueños de los locales le pedían que dibujara carteles para promocionar sus espectáculos, algo que entusiasmó mucho a Lautrec ya que en sus largas noches en los cabarets dibujaba todo lo que veía y lo dejaba por las mesas. Llegó a vender pinturas y fue reconocido. Tuvo grandes amigas como la bailarina Jane Avril, a la cual dedica varios cuadros y carteles. Conoce a bailarines reconocidos como Valentín el descoyuntado, que era notario de día y bailarín de noche, payasos y demás personajes de las fiestas y espectáculos por los suburbios.
Se consideraba un cronista social y se mezcló, pintó y fue como el pueblo.
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